재즈는 아마도 다른 어떤 음악 장르보다도 살아있는 대화입니다. 뉴올리언스의 거리에서 유럽의 콘서트 홀로 이어지며 지역적 특색을 흡수하면서도 본질을 잃지 않은 이 대화는, 그 건축가들을 순위를 매기는 것은 필연적으로 주관적일 수밖에 없습니다. 그러나 이를 통해 그들의 개인적인 천재성과 집단적인 영향력을 이해하는 창을 제공한다는 점에서 의미가 있습니다. 아래에 소개된 25명의 전설은 그들의 녹음물의 지속적인 인기, 동료 음악가들에게 미친 영향력, 그리고 재즈 세계를 넘어 광범위한 문화에 미친 영향력을 기준으로 선정되었습니다. 빠져들어보세요, 바늘을 내려놓거나 스트리밍을 시작하고, 이 거장들이 왜 여전히 세계적인 기준을 세우고 있는지 다시 한 번 발견해 보세요.
25 소니 롤린스
롤린스처럼 무대를 혼자서도 완벽히 장악하는 즉흥 연주자는 드뭅니다. 그의 1956년 명작 Saxophone Colossus는 테너 색소폰이 한 코러스 안에서 노래하고, 자신감 있게 휘두르며, 철학적인 깊이를 보여줄 수 있음을 증명했습니다. 주제 중심의 즉흥 연주의 선구자였던 롤린스는 또한 유명한 ‘브리지 사바티칼’로 화제를 모았는데, 뉴욕의 윌리엄스버그 다리에서 야외 연습을 통해 그의 거대한 음색을 갈고 닦았습니다.
24 프레디 허버드
허버드의 강렬한 선율은 하드 밥과 포스트 밥을 가리지 않고 뚫고 나갑니다. 아트 블레이키의 재즈 메신저스부터 CTI 시대의 히트작 Red Clay와 Straight Life에 이르기까지, 그의 강렬한 브라스 연주와 멜로디적 도전 정신은 우디 쇼부터 아모르스 아킨무시레 같은 현대의 거장들까지 모두에게 영향을 미쳤습니다.
23 맥스 로치
로치는 단순히 시간 측정자가 아니라, 비밥을 위해 드럼 키트를 재설계했습니다. 그는 박자를 라이드 심벌로 옮기고 스네어와 베이스 드럼을 해방시켜 표현의 도구로 활용했습니다. 그의 시민권 운동을 주제로 한 작품 We Insist!는 음악과 활동을 융합시켜 리듬이 힙과 의식을 모두 흔들 수 있음을 증명했습니다.
22 콜먼 호킨스
호킨스 이전에는 테너는 새로운 현상이었습니다. 1939년 “Body and Soul” 녹음 이후, 그는 권위 있는 목소리로 자리매김했습니다. 그의 화성적 세련됨은 비밥의 길을 열었으며, 경쟁심(그는 젊은 신예들과의 즉흥 연주 대결을 환영하기로 유명했습니다)은 그를 수십 년간 최전선에 머물게 했습니다.
21 리 모건
모건의 1963년 대히트곡 “The Sidewinder”는 쥬크박스 재생 목록에 진입하며 부갈루 리듬을 하드 밥의 자신감 넘치는 스타일과 결합시켰습니다. 그의 명확한 발음과 블루스 풍의 선율은 마일스 데이비스의 차가운 미니멀리즘과 프레디 허버드의 열정적인 외향성을 연결하는 다리 역할을 했습니다.
20 버드 파월
파월은 찰리 파커의 호른 선율을 피아노로 옮기며 비밥 키보드 어휘를 창안했습니다. 그의 오른손의 폭포 같은 연기와 왼손의 ‘컴핑’은 The Amazing Bud Powell 같은 클래식 작품에서 여전히 놀랍도록 현대적으로 들립니다.
19 아트 타텀
타투의 기술적 천재성은 불가능에 가깝게 느껴졌다—걸음걸이의 기반, 화음 대체, 그리고 번개 같은 연주가 샴페인처럼 부드럽게 흘러나왔다. 오스카 페터슨에서 블라디미르 호로비츠에 이르는 전설적인 음악가들은 그의 기술에 경탄했으며, 많은 이들은 그 수준에 도달하려 시도조차 포기했다.
18 카운트 베이시
베이시는 적은 것이 더 큰 스윙을 이끌어낼 수 있음을 증명했습니다. 그의 미니멀리즘 피아노 연주 ‘플링크-플랭크-플렁크’는 리프 기반의 악보(‘One O’Clock Jump’, ‘April in Paris’)로 빅밴드 시대를 정의한 오케스트라를 단단히 지탱했으며, 이 곡들은 여전히 전 세계 댄스 플로어를 뜨겁게 달구고 있습니다.
17 사라 바우어
출처：https://blogs.loc.gov/music/2019/03/william-p-gottliebs-celebration-of-women
3옥타브의 음역과 오페라적인 통제력을 갖춘 “Sassy” Vaughan은 재즈, 팝, 클래식 기술의 경계를 모호하게 만들었습니다. “Misty”를 부드럽게 표현하거나 Dizzy와 함께 비밥 선율을 구부리는 등, 그녀는 자연스러운 보컬 기술의 정수를 보여주었습니다.
16 디지 길레스피
올려진 벨, 부풀어 오른 볼, 그리고 번개 같은 재치로, 길레스피는 비밥의 미소 짓는 대사관원이었다. 그는 찰리 파커와 함께 이 장르의 언어를 공동으로 창안했으며, “Manteca”에서 아프로-쿠바 리듬과 결합시켜 재즈의 글로벌 색채를 확장시켰다.
15 웨스 몬태규
몽고메리의 오른손 엄지손가락으로 연주한 음들은 따뜻하고 호른 같은 소리를 내었으며, 그의 옥타브 기술은 한 세대의 기타리스트들이 채택한 상징적인 스타일로 자리 잡았습니다. Smokin’ at the Half Note와 같은 앨범들은 세련된 리듬감과 멜로디적인 스토리텔링의 기준점이 되고 있습니다.
14 캐논볼 애들리
소울 재즈의 전도사이자 비밥의 기술을 갖춘 캐논볼은 그의 기쁨 넘치는 프레이징으로 마일스 데이비스의 Kind of Blue와 자신의 크로스오버 히트곡 “Mercy, Mercy, Mercy”를 빛나게 했습니다. 그의 무대에서의 내레이션은 관객들을 음악의 깊은 속으로 이끌었습니다.
13 스탠 게츠
“The Sound”라는 별명으로 불리며 화려한 음색으로 유명한 게츠는 보사노바를 전 세계에 널리 알렸습니다. 게츠/길베르토와 불멸의 명곡 “The Girl from Ipanema”는 브라질의 시크함과 재즈의 세련됨을 결합해 그래미 상의 영예와 전 세계적인 방송 시간을 차지했습니다.
12 오스카 페터슨
페터슨은 아트 타텀 수준의 기술과 블루지한 따뜻함을 결합해, 빅 밴드처럼 스윙하는 트리오를 이끌었습니다. 그는 위대한 미국 가요집(Great American Songbook)에 대한 결정적인 해석으로 카네기 홀부터 전 대륙의 페스티벌 무대까지 필수적인 존재로 자리매김했습니다.
11 찰스 민거스
밍거스의 음악은 그의 성격만큼이나 격정적이고 광활했습니다—복음성가 같은 외침, 엘링턴의 grandeur, 자유 재즈의 소동. Mingus Ah Um 같은 앨범은 조화로운 혼란 속에서 미국의 모순을 반영할 수 있는 작곡가의 면모를 보여줍니다.
10 데커터 고든
6피트 6인치(약 198cm)의 키를 가진 “롱 탭 덱스터”는 신체적 조건과 넓은 음역, 교활한 유머를 완벽히 조화시켰습니다. 유럽에서의 유배 생활을 마치고 돌아온 그의 화려한 복귀는 영화 Round Midnight에 기록되며 오스카상 후보에 올랐고, 그의 편안한 스윙을 새로운 청취자들에게 다시 소개했습니다.
9 테론리어스 몬크
출처：https://blogs.loc.gov/music/2010/10/101010%e2%80%a6monk%e2%80%99s-93rd-birthday
승려 출신 음악가는 음악적 ‘실수’를 논리로 변환해 불협화음을 강하게 강조하며 놀라운 아름다움으로 해소시켰습니다. ‘Round Midnight’과 ‘Straight, No Chaser’ 같은 곡들은 즉흥 연주 세션의 기준이 되었으며, 각진 멜로디는 영원히 신선함을 유지하고 있습니다.
8 빌리 홀리데이
레이디 데이(Lady Day)는 개인적인 고통을 시대를 초월한 예술로 변모시켰습니다. 그녀는 “Strange Fruit”과 “God Bless the Child”에서 보여준 친밀한 가사 표현을 통해 강렬한 스토리텔링과 소름 끼치는 음악적 세련미를 결합해, 장르를 초월한 수많은 보컬리스트들에게 영감을 주었습니다.
7 존 콜트레인
Dutch National Archives, The Hague, Fotocollectie Algemeen Nederlands Persbureau (ANeFo), 1945-1989, Nummer toegang 2.24.01.05 Bestanddeelnummer 915-6748, CC0, リンクによる
콜트레인의 탐구 정신은 그를 하드 밥에서 모달 찬가(My Favorite Things)와 영적 스위트(A Love Supreme)로 이끌었습니다. 그의 ‘사운드 시트’ 기법과 후기의 자유로운 탐구는 초월을 추구하는 즉흥 연주자들에게 지표가 되었습니다.
6 마일스 데이비스
재창조의 대가인 마일스는 쿨 재즈(Birth of the Cool), 모달 재즈(Kind of Blue), 포스트-밥 시대의 두 번째 위대한 퀸텟, 그리고 재즈-록 퓨전(Bitches Brew)을 탄생시켰습니다. 어떤 장르에서도 이처럼 자주, 그리고 이처럼 스타일리시하게 장르의 규칙을 재정의한 예술가는 거의 없습니다.
5 엘라 피츠제럴드
“노래의 퍼스트 레이디”는 완벽한 음정, 끝없는 스윙, 그리고 어떤 관악기에도 뒤지지 않는 스캣팅의 유연성을 갖추고 있었습니다. 그녀의 Songbook 시리즈는 게르슈윈, 포터, 베를린의 작품을 후세에 전하며 보컬 재즈 해석의 금기준을 세웠습니다.
4 듀크 엘링턴
엘링턴의 모토—“범주를 초월하라”—는 코튼 클럽, 카네기 홀, 성스러운 콘서트에 이르는 작품들에 적용됩니다. 그의 오케스트라는 음색의 실험실로, 존니 호지스 같은 솔로 연주자들을 선보이며 “소피스티케이티드 레이디”에서 “무드 인디고”에 이르는 명곡들을 작곡했습니다.
3 찰리 파커
출처：https://blogs.loc.gov/music/2010/08/happy-birthday-prez-and-bird
“Bird”는 초고속 템포, 진보적인 화음, 블루스 풍의 서정성으로 비밥의 혁명을 일으켰습니다. 그의 유산은 현대의 모든 솔로 연주자 중에서도 단 12마디의 코러스에 우주 같은 아이디어를 압축해 넣는 이들에게서 뚜렷이 드러납니다.
2 루이 암스트롱
출처：https://blogs.loc.gov/music/2011/08/pic-of-the-week-anniversary-edition
아머스트는 솔로 연주자를 무대 중앙에 배치해 8분 음표를 미래로 휘감으며 스캣 싱잉을 대중화했습니다. “West End Blues”부터 “What a Wonderful World”까지, 그의 거친 따뜻함과 트럼펫의 화려함은 재즈를 일반 가정의 음악으로 만들었습니다.
1 빌 에반스
에반스의 화음 구성—근음이 없는 왼손 클러스터와 인상주의적인 화음 색채—는 재즈 화음 자체를 재해석했습니다. 그의 대화적인 트리오 연주는 Sunday at the Village Vanguard에서, 그리고 마일스 데이비스의 Kind of Blue에서의 내성적인 솔로는 피아니스트와 작곡가 모두에게 지속적인 영향을 미치고 있습니다.
루이 암스트롱의 자신감 넘치는 연주에서 빌 에반스의 내면적 탐구까지, 이 25명의 아이콘들은 문화적 격변과 기술적 변화가 교차한 100년 동안 재즈의 진화를 추적합니다. 각 아티스트는 새로운 화음의 색채, 리듬의 감성, 또는 감정적 깊이를 통해 재즈의 언어를 확장하면서도, 전 세계 청취자들에게 접근 가능할 만큼 친근함을 유지했습니다. 그들의 녹음은 박물관 전시품이 아닙니다. 이는 끊임없이 펼쳐지는 대화의 초대장입니다. 경험이 풍부한 애호가든, 호기심 많은 신규 청취자든, 이 목록이 다음 청취 세션을 안내해 주길 바랍니다. 그리고 재즈에서는 순위가 중요하지 않습니다. 그 과정에서 발견하는 기쁨이 더 중요합니다.
